Lecciones sobre color
Color, diseño y composición en la práctica artística

Compromiso con la excelencia

Cuando eres artista eres capaz de transformar un motivo cotidiano, como los platos en el fregadero o lo que se ve desde la puerta trasera de casa, en una pintura. ¿Crees que tener una serie de colores, pinceles y papeles, y conocer las fórmulas pictóricas y los esquemas triádicos te ayudará a ser mejor artista? Lo cierto es que te sería más útil poder asomarte a la mente de un gran maestro. Qué emocionante sería saber lo que piensa ese artista, entender sus planteamientos, quedar expuestos a la percepción imaginativa que da lugar a un cuadro.

Este libro pretende acercarte a los esquivos procesos que pueden transformar un motivo normal y corriente en una obra extraordinaria. ¡Lo importante es utilizar el cerebro más que el pincel! Aunque una imagen resulta claramente visible al ojo, es la mente la que le da una luminosidad tangible e intensa, la que la transforma en un cuadro magnífico. Si no, lo único que hacemos es reproducir mecánicamente lo que ven nuestros ojos. Hace poco, dando clases en el Medio Oeste de Estados Unidos, me encantó tener a los alumnos a mi alrededor sin pintar un paisaje. Tras una clase “alucinante”, se sumergieron en sus propios pensamientos, en vez de lanzarse de cabeza a las pinturas.

“Viaje alucinante” es como llaman mis alumnos a mis clases, y por una buena razón. Están concebidas para estimular nuevas formas de plantearse los cuadros; para desafiar viejos hábitos, clichés y bloqueos mentales; en resumen, para ejercitar la mente. Por desgracia, somos nosotros quienes nos ponemos limitaciones y barreras. Nos encerramos rodeados de fórmulas, normas, esquemas que nos limitan y al hacerlo levantamos barreras de forma inconsciente. Recuerda: cuanto más sencilla es la fórmula, menos usas la mente. Cuanto menos usas la mente, menos creativo es tu trabajo. Como alternativa a las normas, mis clases permiten comprender cómo se estructura un cuadro, de manera que tú, el artista, puedas pintar cualquier cosa, cualquier lugar del mundo. Proporcionan una base para saltar obstáculos y llegar mucho más lejos. La capacidad de crear se traduce en lecciones concretas, explicadas con claridad y sencillez. 

El libro consta fundamentalmente de dos partes, que te permiten explorar el color y la composición en profundidad. Creo que esas dos disciplinas tienen 
el mismo peso, son igual de importantes para el éxito de un cuadro. Lamentablemente, la composición es, con demasiada frecuencia, el primer componente que se enseña y, hasta mucho después, nadie te dice que también hay que “añadir” el color. Yo prefiero empezar con enfoques de color estimulantes que desencadenen reacciones creativas, porque los artistas responden de forma natural con la emoción.

A medida que avances con las primeras lecciones, el misterio de mezclar los colores debería desaparecer. Utilizando una paleta de pigmentos puros, descubrirás todo un abanico de mezclas limpias y transparentes. Cada lección amplía tu vocabulario del color, desde grises luminosos hasta oscuros brillantes, pasando por tonos intensos. También hay que aprender el arte de no mezclar (trabajar con veladuras) e información sobre las interacciones de color y las ilusiones ópticas. Cualquiera que sea tu elección, no te saltes la lección esencial de las “doce formas”, requisito indispensable para componer. Esta lección es fundamental, ya que te enseña a desmontar la composición en formas, valores y colores, y volver a montarla... ¡a tu manera!

Para mí, la emoción de enseñar radica en ver madurar el talento. No hay nada más gratificante para un docente que ver el asombro ante el color y la composición de un principiante, algo que incluso los profesionales que asisten a los talleres envidian. Después de todo, ¿por qué no empezar desde el principio para encauzar tu línea de pensamientos por los canales de la imaginación? ¿Para qué esperar hasta que tengas más experiencia con aguadas y otras técnicas? El arte tiene poco que ver con el resultado final y mucho con dar significado y contenido a tu obra. Lo importante no es cuántos cuadros pintas o la calidad de la técnica; lo importante es cuán bien pensada está la obra. 

¿Alguna vez te has preguntado por qué algunos artistas de talento se quedan en eso, mientras que otros llegan a la cumbre? Ocurre porque los artistas serios se atreven a dar un paso más allá e incluso otro más. Lamentablemente, otros no llegarán a innovar porque los asusta probar cosas nuevas. No te conformes con pintar de la misma forma, al mismo nivel, dependiendo de tríadas de color y fórmulas compositivas para conseguir las mismas pinturas seguras y trilladas. Recuerda que nadie nace ganador. ¡Atrévete a probar nuevos enfoques para ampliar tus horizontes!

Si tu objetivo es desarrollar toda tu creatividad, y distinguirte así de los demás, aprovecha el conocimiento de todas las facetas de la pintura que tienes a tu alcance y úsalas a tu antojo para dar forma a tu producción creativa individual. Espero que este libro te acompañe en tu camino hacia ese objetivo, que sea un libro de consulta y una guía que te prepare para nuevos retos y potencie tu aprendizaje en el futuro.

Copyright del texto: su autora
Copyright de la edición: Editorial GG SL